Die verstörendsten Filme von 2019

Durch Patrick Phillips/.12. April 2019, 15:05 Uhr EDT/.Aktualisiert: 30. Dezember 2019, 12:08 Uhr EDT

Die Leute scherzen gern darüber, wie oft das Leben dazu neigt, Kunst zu imitieren (oder umgekehrt) und wie insbesondere das Kino als Spiegelbild der Welt dienen kann, nicht nur wie sie ist, sondern wie sie werden könnte. Wenn einer dieser Gesichtspunkte zum Nennwert genommen werden kann, dann ist die Welt, in der wir leben, mehr als ein bisschen zerbrochen. Vielleicht besorgniserregender als diese beunruhigende Tatsache ist, dass sich alle möglichen bösen Dinge durch die immer größer werdenden Risse zu arbeiten scheinen.

Wie auch immer Sie sich entscheiden, die Welt zu betrachten, es besteht kaum ein Zweifel daran, dass eine breite Palette von Ängsten, Unsicherheiten, sozialen Konflikten und inhärenten Paranoias dazu beiträgt, diese bösen Dinge an die Oberfläche zu führen. Im Gegenzug steuern sie auch die Erzählungen für einige der faszinierenderen (und beunruhigendsten) Großbildkonfekte in den vergangenen Jahren. Dieselben komplexen Themen und Themen stehen auch hinter einigen der herausforderndsten Arbeiten des Jahres 2019. Während das Jahr weiterhin eine starke Liste von Filmen liefert, die von unheiligen Schrecken, schändlichen Charakteren und tierischen Freuden besessen sind, freuen wir uns, jeden einzelnen von ihnen für Sie aufzuzeichnen. Dies sind die verstörendsten Filme des Jahres 2019.



Das Loch im Boden

Seit seiner Gründung vor weniger als einem Jahrzehnt A24 Filme hat sich von dem kleinen Indie-Studio, das sich in ein bonafide Indie-Kraftpaket verwandeln könnte, verwandelt. Sie haben dies getan, indem sie eine kluge Mischung aus krassen, menschlichen Dramen produziert haben (Mondlicht, Lady Bird, Zimmer) und kunstvoll schräge Genre-Kost (Ex Machina, Die Hexe, Erblich). In diesem Jahr bleibt A24 mit dieser Release-Strategie auf Kurs und startet 2019 mit Lee Cronins paranoidem Chiller Das Loch im Boden.

Wenn Sie mit Cronins Namen nicht vertraut sind, liegt es daran Das Loch im Boden ist der erste Spielfilm des irischen Filmemachers. Seien Sie versichert, es ist ein verdammt beeindruckendes Debüt - eines, bei dem eine junge Mutter und ihr Sohn versuchen, sich am Rande einer kleinen ländlichen Stadt ein neues Leben aufzubauen. Leider existiert ihr neues Zuhause auch am Rande eines riesigen Waldes, und in diesem Wald gibt es ein bedrohliches, weitläufiges Dolinenloch - das mit den dramatischen Verhaltensänderungen des Jungen verbunden sein kann oder nicht.

Nur zu Ihrer Information, es ist. Das ist nicht wirklich ein Spoiler - zum einen wird die Tatsache früh im Film offensichtlich, zum anderenDas Loch im Boden Es geht weniger um schockierende Wendungen und Erklärungen als darum, eine trostlose Atmosphäre der Angst und Paranoia aufzubauen. Cronin und Company schaffen dieses Kunststück in kürzester Zeit und verbinden ihre atmosphärische Kälte mit einem eindringlichen, langsam brennenden Ansatz, der in einem Finale gipfelt, das sich wie das Zeug von Kafkas Albträumen anfühlt.



Velvet Buzzsaw

Dan Gilroy hat sich zuletzt mit Jake Gyllenhaal für eine ätzende Mediensatire über einen ehrgeizigen Angelino zusammengetan, der versucht, in die Welt des Kriminaljournalismus einzudringen. Dieser Film mischte seine beißende Satire nahtlos mit einer ausgeprägten 'Doom and Gloom' -Sensibilität und verwendete sogar bestimmte Horrorfilm-Tropen, um der Action eine albtraumhafte, postmoderne Qualität zu verleihen. Mit einer der besten Leistungen von Gyllenhaals Karriere, Nachtfalter erwies sich nicht nur als einer der besten Filme des Jahres 2014, sondern auch als einer der nervigsten.

Ein solcher Erfolg war die Kombination aus Regisseur, Schauspieler und Material, die das Paar für Gilroys neueste satirische Konfektion, den übernatürlichen Thriller, zusammenführte Velvet Buzzsaw. Sie werden froh sein zu wissen, dass sie beim zweiten Mal eine weitere vernichtende Anklage gegen die kapitalistische Kultur liefern Velvet Buzzsaw sieht sie dies mit fest in die Wange gepflanzten Zungen tun.

Die Kulisse für diese Runde ist die launische, opportunistische Welt der modernen Kunst und genauer gesagt ein vapider Kreis von Geschmacksmachern, die reich werden wollen, indem sie einen kürzlich ausgegrabenen Cache mit Gemälden verkaufen. Der Haken ist, dass diese Bilder von einem Verrückten geschaffen wurden, dessen Geist (und mehr) in jedem wohnt und der versucht, sich an jedem zu rächen, der versucht, von ihnen zu profitieren. Ja, diese Handlung ist so albern, wie es sich anhört. Und ja, Gilroy nimmt diese Dummheit durchweg voll und ganz an Velvet Buzzsaw. Er verspottet es auch mit einer Menge Bedrohung, die seine bittere Parodie in ein brütendes, blutiges Biest eines Films mit einem Kopf voller Launen und einem Herzen voller Zorn verwandelt.



Lords of Chaos

Die Welt, in der wir leben, erinnert uns schnell daran, dass Tatsachen oft viel seltsamer sind als Fiktion. Ein typisches Beispiel: Die bizarre Geschichte, die Jonas Åkerlunds Black Metal-Opus inspirierte Lords of Chaos. Für diejenigen unter euch, die diese Geschichte nicht kennen, folgt sie einem norwegischen Teenager namens Euronymous, der über seine Band Mayhem 'echten norwegischen Black Metal' kreiert hat. Bei dem Versuch, Chaos in die Massen zu bringen, verwickelten sich Euronymous und seine Freunde in eine Welle schockierender Publicity-Stunts, die die Nation bis ins Mark erschütterten.

Wie die meisten künstlerischen Bestrebungen begannen diese Stunts klein, wobei satanische Graffiti und untotes Gesichts-Make-up ausreichten. Die Live-Shows von Mayhem wurden bald zu Futter für abgetrennte Schweineköpfe, Feuerspucken und Selbstverstümmelung. Als Euronymous und seine Crew sich weiter drängten, eskalierte die Unersättlichkeit der Stunts, die Grenzen zwischen 'Handlung' und 'Realität' lösten sich auf, was den Weg für Brandstiftung, Gewalt und (unvermeidlich) Mord ebnete.

Ja, Lords of Chaos erzählt eine dieser Geschichten, die sich einfach zu bizarr anfühlt, um sie zu glauben, aber sie basiert ganz auf Tatsachen. Åkerlund seinerseits präsentiert jedes unheilige Unterfangen mit einem überraschend teilnahmslosen Blick, der es den zunehmend absurden Tatsachen dieses Falles ermöglicht, sich mehr oder weniger genau zu entfalten wie wir sie kennengelernt haben. Auf dem Weg dorthin macht es ihm keine besondere Freude, die schockierenden Akte in sich zu präsentieren (auch wenn er jede in lebhaften Details präsentiert), und er liefert letztendlich ein eindringliches, biografisches Drama über künstlerischen Ehrgeiz, Amoklauf, der das Zeug der Farce fühlen würde, wenn nicht für seine unverständliche Realität.

Uns

Inzwischen sollten Sie mit Jordan Peeles kometenhaftem Aufstieg hinter dem pechvollendeten Social-Horror-Experiment von 2017 vertraut sein Geh raus. Und wenn nicht, dann bitten wir Sie dringend, zuzuschauen Geh raus sofort, weil es genauso erstaunlich ist, wie Sie gehört haben. So erstaunlich war Peeles Oscar-Gewinner Debüt, dass es berechtigte Bedenken gab, ob er den Einbruch im zweiten Jahr vermeiden würde, der viele bahnbrechende Regisseure plagt. Diese Bedenken verstärkten sich, als Peele ankündigte, dass er für sein Follow-up zum Horror-Genre zurückkehren würde.

Natürlich verschwanden diese Bedenken in ängstlicher Vorfreude, als Peele das entfesselte knochenfroher erster Trailer zum Uns in der Öffentlichkeit. Für den größten Teil des Kinopublikums waren sie ungefähr fünf Minuten nach dem neuesten sozialbewussten Schreckensfest des Regisseurs vollständig verflogen.

Gesetz der Überraschung

Ähnlich wie sein Vorgänger, Uns ist ein weiteres kühnes, einschneidendes, sogar witziges Genre-Konfekt, das seine Einflüsse fest im Ärmel trägt, aber irgendwie nicht wie ein Horrorfilm aussieht, sich anfühlt oder spielt, der davor war. So weit die Handlung reicht UnsEs ist eine relativ einfache Geschichte der Doppelgänger-Fiktion, in der eine Familie von bösen Versionen ihrer selbst terrorisiert wird. Mögen Geh rausPeele hat viel größere Fische zum Braten mit einer Erzählung, die sich auf eine Weise dreht und dreht und bindet, die man sich einfach nicht vorstellen kann. Von diesen Drehungen und Wendungen werden wir nichts mehr sagen. Wisse nur, dass sie hinter einem fast erstickenden Gefühl existenzieller Angst stehen und eine Vorliebe für arterielles Spray haben, die Peele bisher noch nicht gesehen hat.

Über Beton gezogen

Wenn Sie von Filmen mit Blick auf gesellschaftliche Probleme sprechen, haben Sie die nihilistische Seltsamkeit gesehen, die das ist Über Beton gezogen? Auch wenn Sie es nicht getan haben, gehen wir davon aus, dass Sie etwas über S. Craig Zahlers neueste Version gehört haben, in der Vince Vaughn und Mel Gibson zu sehen sind. Heutzutage bringt ein solches Casting (insbesondere Gibson) eine Menge Fragen zu möglichen Agenden mit sich. In Bezug auf die Tagesordnung können wir Ihnen mit Sicherheit sagen, dass Über Beton gezogen ist nicht die Propagandamaschine 'rechter, weißer männlicher Zorn' einige Kritiker habe es geschafft zu sein.

Wenn Zahlers Film eine Agenda hat, ist es nur so, dass er jeden schockieren, provozieren und verurteilen will, der durch ihn sitzt. Diese Handlung an sich ist angesichts der 159-minütigen Laufzeit des Films eine Abnutzungserscheinung - eine Laufzeit, die durch das langsame Tempo des Films und die Tatsache, dass es im Grunde genommen um abscheuliche Leute geht, die sich selbst dienen, auf unendlich vergrößert wird.

Wie Zahlers frühere Arbeiten, Über Beton gezogen nimmt eine fleischige, gewalttätige Herangehensweise an das Kino und setzt narzisstische, moralisch kompromittierte harte Jungs in alptraumhafte (wenn auch wunderbar fotografierte) Welten, in denen unaussprechliche Brutalität auf sie wartet. Vaughns und Gibsons rassistische, leicht korrupte Polizisten sind das Gesicht dieses besonderen Albtraums. Als solches versucht der Film niemals, Helden (oder sogar Antihelden) aus ihnen oder ihrer smarmigen, selbstberechtigten Weltanschauung zu machen. Lieber, Über Beton gezogen präsentiert eine stilvoll aufrührerische, unversöhnliche Landschaft, in der sie tatsächlich existieren können. Es ist eine hässliche Welt, die unserer näher ist, als viele sich wohl fühlen werden, und wenn Über Beton gezogen hat eine übergeordnete Botschaft, es ist, dass niemand, nicht einmal der Unschuldige, darin sauber bleiben kann.

Piercing

Wenn ein Dutzend Filmliebhaber die zehn beunruhigendsten nannte Horrorfilme In der Geschichte würden wahrscheinlich zwei Filme auf jeder Liste erscheinen - Takashi Miikes wahnsinniger, atmosphärischer Chiller Vorsprechen und das erschütternde gotische Drama Die Augen meiner Mutter. Nur zu Ihrer Information, der erste basiert auf einem Roman von Ryû Murakami, und der zweite wurde vom Indie-Autor Nicholas Pesce inszeniert. Kein Wunder also Piercing - nach einem Murakami-Roman adaptiert und von Pesce inszeniert - sollte seinen Weg auf diese Liste finden.

Was Sie vielleicht überraschen wird, ist was für eine andere Art von Tier Piercing ist im Vergleich. Ja, Pesces Vorliebe für düstere Atmosphären spielt eine Rolle. Und ja, das groteske Körperhorror und die sadistische Distanziertheit, die Murakamis prägten Vorsprechen sind auch da. Inmitten dieser makabren Einflüsse findet Pesce irgendwie Raum, um seinen neuesten Albtraum mit einer seltsamen, fast spielerischen Energie zu erfüllen, die eher an eine Sexkomödie der 60er Jahre erinnert als an einen grausigen Horrorfilm.

Wenn man bedenkt, dass es sich bei dem Film um einen Mann handelt, der ein Callgirl anstellt, um sie zu foltern und zu ermorden (und damit seinen Drang abzulenken, seinem kleinen Sohn einen Eispickel zu geben), ist das keine Kleinigkeit. Dass diese Energie das blutige, brutale Tête-à-Tête überlebt, das die Action antreibt, ist ebenfalls beeindruckend. Dieser Pesce verwandelt diese unterschiedlichen Töne in einen fiesen, stilvollen Gothic-Thriller, der gleichzeitig die Arbeit von David Lynch aufruft und Billy Wilder macht das aus Piercing muss Kino sehen - auch wenn Sie es am Ende hassen. Und viele von euch werden es tun.

Der Wind

Es gibt im Wesentlichen zwei Möglichkeiten, einen Horrorfilm zu machen. Die erste beinhaltet Eimer mit Kunstblut, einen maskierten Mörder (oder ein blutrünstiges Monster) und ungefähr ein Dutzend Sprungangst. Die zweite besteht darin, sich ganz darauf zu konzentrieren, ein Ambiente des reinen psychologischen Terrors im Dienste akribisch ausgeführter Ängste zu schaffen. Emma Tammis erschütternde Western- / Horror-Fantasie befindet sich inmitten der isolierten Landschaften der Westgrenze um das 19. Jahrhundert und konzentriert sich auf einen Homesteader, der von der Härte des Lebens in den unversöhnlichen Ebenen über den Rand getrieben wird Der Wind geht von ganzem Herzen den letzteren Ansatz. Wie die besten atmosphärischen Thriller findet es in seiner gedämpften, heimgesuchten Erzählung mehr echte Schüttelfrost, als sich jeder schlockige Slasher-Film vorstellen kann.

Wie die besten atmosphärischen Thriller, Der Wind nimmt eine relativ einfache Herangehensweise an seine Erzählung über einen nagelharten Homesteader, der nach einer unaussprechlichen Tragödie in einer weitläufigen Prärielandschaft allein gelassen wurde. Der Höhepunkt dieser Tragödie spielt eine entscheidende Rolle Der Wind's übergreifende Erzählung, aber der Film ist am effektivsten, wenn die Frau (die glaubt, dass ein böswilliger Dämon die Gegend heimgesucht hat) in völliger Abgeschiedenheit gefangen ist. In diesen straffen, launischen Momenten, in denen Tammi ihrem Film erlaubt, in gedämpften, unheimlichen Träumereien zu verweilen, die von einem Gefühl der Isolation verzehrt werden, das so schrecklich ist wie jeder böswillige Geist. Der Wind ist als eine fast perfekte Übung in psychologischem Horror. Es ist effektiv genug, um die Tatsache zu übersehen, dass bestimmte Elemente des Dialogs und der nichtlinearen Erzählung an anderer Stelle im Film zu wünschen übrig lassen.

Pet Sematary

Mit kritisch gelobten Genre-Angeboten, die scheinbar wöchentlich in die Kinos kommen, ist klar, dass wir ein wahres goldenes Zeitalter des Grauens erleben. Da Stephen King hinter einigen der größten Hits des Genres in letzter Zeit steckt, kann man mit Sicherheit sagen, dass wir auch ein goldenes Zeitalter der King-Anpassungen durchleben. Während wir gespannt darauf warteten Es: Kapitel Zwei Um in die Kinos zu kommen, haben wir uns mit einer grausigen, emotional bestrafenden neuen Adaption von Kings Bestseller-Roman der Nekromantie zufrieden gegeben.Pet Sematary.

Diejenigen, die sich an Mary Lamberts gnadenlose Adaption von 1989 erinnern, leiden immer noch unter Albträumen von Säuglingen mit Skalpell. Dieses Original war die Art von Horror, die Sie dazu brachte, nach dem Abspann zu duschen. Wenn Sie vorsichtig mit dem Neuen sindPet SematarySeien Sie gewarnt, dass Kevin Kölsch und Dennis Widmyer nichts von dieser Grobheit in ihrer Beschwörung verlieren. Mit ein paar wichtigen Änderungen in der Erzählung stärken sie tatsächlich die Körnung, um zu booten.

Natürlich ist der Kern der Geschichte der gleiche. Eine Familie zieht nach Maine, es kommt zu tragischen Todesfällen, es folgen fehlgeleitete Auferstehungen und es herrscht untotes Chaos. Was das Chaos hier auszeichnet, ist, dass der Großteil des Blutvergießens von einem Kind stammt. Während Kölsch und Widmyer eindeutig ein unerbittliches Gefühl atmosphärischer Angst entwickeln Pet Sematary, ihr Film entzündet sich, als die Toten auferstehen und diese Qual sich in ungebrochenen Terror verwandelt, und das Duo hat explizite Freude daran, alles in Richtung zu treiben ein herzzerreißendes Finale Das wird dich zwangsläufig nach Luft schnappen lassen.

Hohes Leben

Seit dem Schuppen der schillernden Haut das machte ihn zum Star Mit dem Tween-Set hat sich Robert Pattinson zu einem der überzeugendsten Schauspieler im Kino entwickelt. Er hat dazu unkonventionelle Rollen in Autorenfilmen wie gesucht Cosmopolis (David Cronenberg), Der Rover (David Michôd) und Gute Zeit (Die Safdie Brüder). Mit jeder neuen Rolle und jedem neuen Regisseur scheint Pattinson darauf aus zu sein, die Messlatte für sich selbst immer höher zu legen.

Es sollte daher nicht überraschen, dass Pattinson von einem mutigen neuen Projekt der französischen Provokateurin Claire Denis angezogen wird. Noch weniger überraschend ist, dass der Schauspieler sich erneut in der Rolle eines Mannes übertrifft, der darum kämpft, sich und seine Tochter in den Grenzen eines heruntergekommenen Handwerks, das im Weltraum verloren geht, am Leben zu erhalten. Was für viele überraschend sein mag, ist, wie wild Denis 'verdrehtes, hochkarätiges psychosexuelles Weltraumdrama ist.

fantastische Bestien 2 Ende

Glauben Sie uns, wenn wir Ihnen das sagen Hohes Leben setzt den Psycho wirklich wieder in den Psychosexuellen. Für diejenigen, die sich fragen, wie Pattinsons Papa im Weltraum gelandet ist, liegt es daran, dass er ein böser, böser Junge auf der Erde war, der sich - zusammen mit mehreren anderen Tätern und einem wirklich verrückten Wissenschaftler - für ein radikales Fortpflanzungsexperiment im Weltraum angemeldet hat, anstatt im Weltraum zu sterben Gefängnis. Klingt komisch genug? Denis und Co. werden gerade aufgewärmt. Was folgt, ist ein wahnsinniger Verstand eines Films, der von Sex, Gewalt, Verrat und letztendlich / unerwartet Hoffnung angetrieben wird. Und ja, im Zentrum des Wahnsinns steht eine der schönsten / seltsamsten Aufführungen von Pattinsons Karriere.

Opossum

Wenn Sie zufällig leiden Pupaphobie (a.k.a. Angst vor Puppen) oder Angst vor gruseligen, krabbeligen Dingen mit acht Beinen (a.k.a. Arachnophobie), und besonders wenn Sie zufällig darunter leiden beideWir möchten Sie dringend bitten, mit dem Lesen aufzuhören, da Matthew Holness ein starkes, bedrückend düsteres Debüt-Feature ist Opossum kann Ihnen kaum mehr bieten als eine Welt voller Schmerzen und ein Leben lang Albträume. Tatsächlich kann das gleiche auch dann zutreffen, wenn Sie nicht leiden unter einer dieser Phobien.

Sei nicht überrascht, wenn du noch nie von Holness gehört hast. ' Opossum. Der Film bekam nie einen Kinostart, und nach einem gut erhalten Noch in begrenztem Umfang in seiner Heimat Großbritannien im letzten Jahr, ging direkt zu VOD für US-Märkte Anfang dieses Jahres. Nachdem wir diesen emotional anstrengenden kleinen Film selbst erlebt haben, kann man sich leicht vorstellen, dass Theater und Zuschauer in Scharen fernbleiben. Das heißt nicht unbedingt, dass Sie es auch sollten.

Ja, eine Puppe spielt eine herausragende Rolle in Opossum. Es hat die Form eines großen Spinnentiers mit einem monströsen menschlichen Kopf, wenn Sie sich fragen, was die Phobie unter Ihnen wirklich auslöst. Verbunden mit dem erstickenden Gefühl existenzieller Angst des Films, Opossum ist in der Tat eine ziemlich schwierige Uhr. Wenn Sie diesen besonderen Wahnsinn ertragen können, stehen Sie immer noch vor einer grobkörnigen, pechschwarzen metaphorischen Abstraktion über eine menschliche Psyche, die durch Trauma und Missbrauch in der Kindheit irreparabel beschädigt wurde - eine, die, obwohl sie wunderschön fotografiert und geschickt gehandelt wurde, so unerbittlich trostlos ist macht solche wie Lynch Radiergummi und Cronenbergs Spinne (beide deutliche Einflüsse) fühlen sich wie ein Spaziergang im Park. Betrachten Sie sich als gewarnt.

Die Perfektion

Achtung, Body Horror Fans. Alle Body-Horror-Fans melden sich bitte sofort bei Netflix und fügen Richard Shepards hinzu Die Perfektion sofort in Ihre Warteschlange. Seien Sie versichert, dass selbst die größten Fans der unheiligsten Horror-Subgenres im ersten Drittel von Shepards erschütterndem, blutigem Psychothriller möglicherweise etwas mehr bekommen, als sie erwartet hatten. Im Zentrum dieser verdrehten Geschichte stehen zwei Cello-Wunderkinder (gespielt von Allison Williams und Logan Browning zu gleichen Teilen mit unheimlichem Eifer und unheimlicher Sinnlichkeit). Die Eröffnungsmomente von Die Perfektion Finden Sie die Cellisten an dramatisch unterschiedlichen Punkten im Leben, wobei Williams 'Stern verblasst ist, nachdem er sich von der Musik entfernt hat, um sich um ihre sterbende Mutter zu kümmern, und Brownings Stern in der Musikwelt hell leuchtet - besonders in den Augen des hochmütigen Lehrers des Paares.

Als Charlotte sich endlich von familiären Verpflichtungen befreit, versucht sie sofort, sich in die Musikwelt zurückzuarbeiten, die sie verlassen musste. Eine anfängliche und scheinbar gegenseitige Bewunderung / Anziehungskraft zwischen den beiden versetzt die Cellisten schnell in einen Roadtrip, der sich schnell in einen Body-Horror-Albtraum verwandelt, der David Cronenberg erschrecken lässt. Aber das ist nur die Vorgruppe des Films. Von da an werden die Dinge ein bisschen verrückt, und Shepard und die Crew verdrehen die unhandliche Erzählung auf zunehmend beunruhigende Weise, die letztendlich verhindernDie Perfektion vom Erreichen dieses Titelstrebens. Trotzdem erweist es sich oft als erstklassiger, verschwenderisch ausgeführter Thriller, der über eine wahnsinnig bedrohliche Energie verfügt, die den verdrehten, blutrünstigen Appetit des Genre-Hungers stillt.

Höhepunkt

Während seiner jahrzehntelangen Karriere hinter der Kamera wurde Gaspar Noé von einem schamlosen Provokateur bis zu einem filmischen Visionär als alles bezeichnet. Wie Sie vielleicht von diesen unterschiedlichen Labels erraten haben, werden Noés Filme die Zuschauer genauso angewidert und zur Tür rennen lassen, wie sie in unruhige Verzückung versetzt werden. Das einzige eigentümliche Element, das die Brandarbeit des Filmemachers befeuert, ist, dass Noé sich weniger darum zu kümmern scheint Wie Die Zuschauer reagieren auf seine Filme, solange diese Filme eine Reaktion erhalten, denn genau das, wofür sie entwickelt wurden.

Wie die vier Noé-gesteuerten Funktionen, die davor standen, Höhepunkt ist ein weiteres wildes filmisches Experiment, bei dem es darum geht, die Grenzen von Anstand und künstlerischem Ehrgeiz zu überschreiten. Deutlich sein, Höhepunkt ist eine technische, künstlerische und narrative Leistung, die so wirkungsvoll ist wie alles, was Noé zuvor getan hat. Es ist auch sicher, dass viele Zuschauer beim ersten Anzeichen der kommenden Ausschweifung tippen werden.

Dieser Moment kommt ungefähr zur Hälfte HöhepunktUngefähr zu der Zeit, als die Tänzertruppe im Kern des Films entdeckte, dass ihre Getränke mit einem starken Narkotikum versetzt wurden. Das ist so viel Handlung, wie wir hier gerne geben - nicht weil wir Angst haben, Noé-Neulingen etwas zu verderben, sondern weil Worte die halluzinogene Höllenlandschaft, die der Regisseur nach diesem Moment entfesselt, einfach nicht aufzeichnen können. Wisse nur, dass es manchmal fast unmöglich ist, den Wahnsinn zu beobachten Höhepunkt, aber es ist oft genauso schwer wegzuschauen.

Messer + Herz

Es gibt eine Handvoll Filmemacher, die Anspruch auf den Titel eines Genre-Game-Changer erheben können. Wenn Sie eine Liste solcher Direktoren zusammenstellen würden, müssten Sie Alfred Hitchcock, Dario Argento und Brian De Palma einbeziehen. Sie würden sie mit ziemlicher Sicherheit ganz oben auf der Liste des französischen Provokateurs Yann Gonzalez finden, und Messer + Herz ist der Beweis, den Sie für diese Tatsache brauchen.

Set in Paris um die späten 70er Jahre, Messer + Herz präsentiert die Geschichte von Anne - einer Filmemacherin, die sich auf künstlerische blaue Filme der rein männlichen Überzeugung spezialisiert hat. Doch gerade als Anne ihren ehrgeizigsten Film beginnt, werden die Mitglieder ihrer Truppe auf brutale Weise getötet und versetzen sie mitten in ein verdrehtes, herzzerreißendes Rätsel, das ihre Welt auf den Kopf stellt.

In dieser verdrehten Erzählung leiht sich Gonzalez stark aus den bahnbrechenden Werken der oben genannten Meister, um den stilisierten, queer-zentrierten, Giallo-gefärbten psychosexuellen Slasher-Film zu liefern, von dem die Welt nie wusste, dass er benötigt wird. Eine, bei der Gonzalez auch mutig keine Schläge in Bezug auf homosexuelle Inhalte oder grausame Gewalttaten macht. (In einem großen Spielzeug für Erwachsene ist beispielsweise eine Schaltklinge vergraben, um eine Mordwaffe herzustellen.)

Also ja,Messer + Herz ist offensichtlich nichts für Zimperliche. Aber die Abenteuerlustigen mögen feststellen, dass dieses grobkörnige, akribisch ausgeführte Slasher-Opus das Zeug zu einem genrefizierten LGBTQ-Kinoklassiker hat, der Genre-Meistern huldigt, selbst wenn es ihre visionäre Arbeit in kühnes neues Terrain treibt.

Hagazussa

In den letzten Jahren gab es eine legitime Bewegung, um das Horror-Genre wieder in das Arthouse zu bringen, in dem es in den 70er und frühen 80er Jahren regelmäßig lebte. Das bedeutet, dass sich Filmemacher weniger darum gekümmert haben, blindlings Blutdurst zu verbreiten, als vielmehr darum, das Genre langsam und psychologisch anzugehen. An alle langsam brennenden Schönheiten, die in letzter Zeit große Bildschirme zierten (d. H. Die Hexe, Erblich, Gute Nacht Mama, Es folgt), Hagazussa Der Autor / Regisseur Lukas Feigelfeld hat nur eines zu sagen: 'Ich sehe deine Eiszeit und ich erhebe dich unendlich.'

Das ist übrigens kein Scherz. HagazussaDas akribische Tempo, die weitgehend nonverbale Erzählung und das minimalistische Sounddesign machen es zu einer Art langsam brennendem Biest, das selbst die wildesten Horror-Anhänger auf die Probe stellt. Für diejenigen, die dabei bleiben, Hagazussa ist auch eines der atmosphärisch schwersten Angebote, die das Horror-Genre jemals gesehen hat, und bietet zufällig ein Finale, das so unerwartet grausam ist, dass es garantiert den Magen verdreht.

Nur zur Veranschaulichung: Die langsame Herangehensweise des Films an die Geschichte ist nicht nur für Tritte gedacht. Hagazussa befindet sich fast ausschließlich in den bergigen Gebieten des Europa des 15. Jahrhunderts und folgt einer ausgestoßenen Frau (von vielen Bürgern als Hexe gebrandmarkt), die darum kämpft, ihre geistige Gesundheit zu erhalten, während sie mit ihrer neugeborenen Tochter fast isoliert lebt. In dieser auffälligen Erzählung verwendet Feigelfeld diesen methodischen Ansatz, um den Betrachter in einen hypnotisch paranoiden Zustand zu wiegen, der die Spannung geschickt verstärkt und die knochenfrohen letzten Momente des Films umso verheerender macht.

Hochsommer

Erst letzten Sommer hat Ari Aster entfesseltdie unheilige Hölle das war Erblich auf ahnungslose Filmliebhaber auf der ganzen Welt. Nun, die Jahreszeiten haben einen vollen Zyklus durchlaufen und einen weiteren heißen, klebrigen Sommer auf die Welt gebracht, und damit hat Aster einen weiteren anstrengenden filmischen Exploit geliefert, der sicherstellt, dass niemand Trost in den kühlen, dunklen Grenzen seines lokalen Cineplex findet.

Laut Aster, sein traumatisierendes 'Trennungsdrama'Hochsommer ist nur ein kleiner Film über eine ungesunde Beziehung, die in Flammen aufgeht. Und - zumindest auf dem Papier - genau das ist diese schreckliche Geschichte eines zum Scheitern verurteilten Paares (gespielt von tragischer Perfektion durchFlorence Pugh und Jack Reynor) Besuch eines ländlichen schwedischen Dorfes ist das legendäre Hochsommerfestival. Verstehe das jedoch Hochsommer ist ein 'Trennungsfilm' in der gleichen Weise wie Erblich war ein kleines 'Familiendrama'. Was bedeutet, dass in dem sonnenverwöhnten Albtraum von weitaus schrecklichere Dinge im Spiel sind Hochsommer als jeder 'Trennungsfilm', den Sie jemals gesehen haben.

Wenn Sie den sonnenverwöhnten Terror von noch nicht erlebt haben Hochsommer, das solltest du wissen, wie ErblichEs ist manchmal fast unerträglich blutig. Wisse das, wie ErblichDiese schockierenden Momente können nicht unsichtbar sein. Aber wie Erblich, die Brutalität im ganzen Hochsommer arbeitet wegen des fast erstickenden Gefühls psychischer Angst, die Aster in einem der gruseligsten Filme des Jahres sorgfältig um sie herum aufbaut. Und wissen Sie das, wie ErblichWir beide haben Mitleid und respektieren Ihr Recht, diesen halluzinogenen, seelenschüttelnden Succubus mit einem möglichst sauberen Schiefer zu erleben. Du wurdest gewarnt.

Es: Kapitel Zwei

Es ist ein wenig schwer zu glauben, aber zwei Jahre sind vergangen, seit Andy Muschietti Kapitel eins der Es Saga auf einem ahnungslose Öffentlichkeit. Muschiettis gruselige, kosmische Kakophonie erschreckte nicht nur den Bejeezus von allen, die ihm begegneten (ähm), der Film erschreckte auch nur nördlich von 700 Millionen Dollarweltweit an der Abendkasse.

So etwas kritisch und finanzieller Erfolg führte offensichtlich zu höheren Erwartungen an Kapitel Zwei von Muschiettis monströsem, mörderischem Clown-Epos. Wir sind hier, um Ihnen zu sagen, dass ja, Es: Kapitel Zwei ist genauso beunruhigend wie sein Vorgänger. Und ja, Bill Skarsgårds absolut mentale Einstellung zu Pennywise ist immer noch der Star der Show (obwohl er in dieser Runde eine sehr ernsthafte Konkurrenz von Leuten wie Bill Hader und Jessica Chastain hat).

Natürlich ist Pennywise schrecklich Kapitel Zweischtick ist nicht ganz auf dem Niveau von 'Chill to the Bone', das es zum ersten Mal war. Das liegt hauptsächlich daran, dass wir jetzt irgendwie wissen, was wir von dem mörderischen Fröhlichen erwarten können. Das heißt nicht, dass Muschietti und Skarsgård den Schmerz nicht wieder bringen. Es: Kapitel Zwei mehr als das Blutrausch und den ungezügelten Terror liefert, den Sie erwarten würden (siehe diese Stanley-Spinnen-Szene), aber Kapitel Zwei stellt den Losers Club in den Mittelpunkt. Als solches verstärken Muschietti & Co. die emotionalen Einsätze der anstrengenden Action und liefern den seltensten Horrorfilm, der nicht nur schockieren, sondern auch an Ihrem Herzen ziehen soll.

Freaks

Obwohl der 'einer von uns' es unterlässt, was Tod Brownings Kultschocker von 1932 unterstreicht Freaks Vielleicht haben sie leicht in der abscheulichen Welt von Zach Lipovsky und Adam B. Steins ähnlich betiteltem Sci-Fi-Freak-Fest gearbeitet. Ein Name ist alles, was sie gemeinsam haben. Die Welt von Lipovsky und Stein Freaks ist anders als alles, was Sie wahrscheinlich schon einmal erlebt haben.

Davon abgesehen müssen Sie uns nur vertrauen, wenn wir Ihnen sagen, dass dies der beste Weg ist, um in die schreckliche Welt von einzutreten Freaks ist es, so wenig wie möglich zu wissen. Vertrauen Sie auch, wenn wir sagen, dass Sie alles wissen, was Sie zu wissen glauben FreaksHerauszufinden, wie falsch Sie in Bezug auf die Action sind, ist Teil des unbeschreiblichen Spaßes des Films.

Was wir Ihnen sagen werden, ist das Freaks folgt einem mutigen kleinen Mädchen (Newcomerin Lexy Kolker), das, nachdem es von ihrem eindeutig instabilen Vater (Emile Hirsch) in einem Zustand erzwungener Gefangenschaft erzogen wurde, eine Pause einlegt und feststellt, dass die Welt überhaupt nicht das ist, was sie dachte. und könnte für sie weitaus gefährlicher sein, als sie jemals hätte erwarten können. Lipovsky und Stein verbringen die erste halbe Stunde von Freaks einen straffen, klaustrophobischen Thriller bauen. Aber wenn der Film ausbricht und seine Welt sich ausdehnt, bleiben Sie an Ihren Sitzen hängen, denn es wird sehr schnell, wieFreaksverwandelt sich in einen dreisten, politisch aufgeladenen Schocker, den Sie nie kommen sehen werden.

Tiger haben keine Angst

Ein Blick auf die Nachrichten dieser Tage wird Ihnen zeigen, dass die Welt, wie wir sie kennen, nicht wirklich in guter Verfassung ist. Insbesondere Mexiko-Stadt war in den letzten Jahren absolut verwüstet durch Blutvergießen infolge bösartiger Kartellkriege. Kriege, in denen Hunderttausende Menschen ums Leben kamen - ganz zu schweigen von einer Generation junger Mexikaner, die verwaist sind und auf den Straßen einer Stadt, die sie so gut wie vergessen hat, ums Überleben kämpfen.

Die Straßen einer namenlosen mexikanischen Stadt bilden die Kulisse für Issa López 'pechschwarze Fantasie Tiger haben keine Angst. Und in die albtraumhafte Realität des Films setzt López ein verängstigtes kleines Mädchen namens Estrella ein, dessen Mutter (wie so viele andere) auf mysteriöse Weise verschwunden ist. Die junge Heldin ist mit drei Wünschen bewaffnet und wird von einer Gruppe Mitwaisen begleitet. Während sich Estrella an die ständigen Gefahren ihres neuen Lebens gewöhnt, entdeckt sie, dass ihre Wünsche tatsächlich real sein könnten - und diese Wünsche werden nicht immer so wahr, wie Sie es sich erhoffen.

Gleiche Teile Guillermo del Toro-Stil dunkle Fantasie, J-Horror gefärbter Spuk und grobkörniges Kartelldrama, Tiger haben keine Angst ist ein perfekter, unerbittlich trostloser neugotischer Chiller, der ebenso aufschlussreich wie gruselig ist. Während die atmosphärische, übernatürliche Synergie, die jedes einzelne Bild des Films durchdringt, mehr als genug ist, um Sie auf dem Laufenden zu halten, ist die emotionale Nutzlast, die Issa López & Co. daneben liefert, das, was Sie bis ins Mark erschüttert und alles andere als sicherstellt Tiger haben keine Angst wird lange nach dem Abspann in deinem Kopf und deinem Herzen verweilen.

Ladyworld

Hier ist ein Film, über den man fast unmöglich sprechen kann ... obwohl man gezwungen sein könnte, besser darüber nachzudenken, Amanda Kramer anzurufen Ladyworld überhaupt ein Film. Ihre wahnsinnig gedämpfte Geschichte von jugendlichen Mädchen, die nach einer unbekannten Naturkatastrophe von der Welt abgeschnitten wurden, ist zugegebenermaßen weniger ein Film als ein bedrohliches, experimentelles Stimmungsstück über die Fragilität der menschlichen Natur und der sozialen Strukturen.

So wie, Ladyworld leiht sich stark aus William Goldings geliebtem Roman von 1954 Herr der Fliegen, im Wesentlichen seine Handlung von einem abgelegenen Inselparadies in die erstickenden Grenzen einer Wohnung zu verpflanzen und geschickt mit Geschlechterrollen zu spielen, indem man vorstädtischen jugendlichen Mädchen statt noblen jugendlichen Jungen folgt. Obwohl die Taktik innerhalb der Kramer-Crew variieren kann, können Sie sicher sein, dass die Ergebnisse mit all den Rückschlägen und Folterungen (sowohl emotional als auch physisch), die Sie erwarten, vertraut sind.

Kramers Interpretation des Themas ist weitaus beunruhigender als die von Golding, da mutige Stilentscheidungen (z. B. klaustrophobische Fotografie und wild ausgefallenes Sounddesign) den Betrachter auf dem Laufenden halten und ihn vollständig in eine Welt eintauchen lassen, die gleichzeitig in Hyperrealität und albtraumhafter Ätherizität versunken ist . Das Ergebnis ist ein Film, der sieht Herr der Fliegen durch das krasse, dissonante Prisma von Die Selbstmorde der Jungfrau. Abgesehen von offensichtlichen Einflüssen können wir Ihnen das versichernLadyworld (die auch eine genial kantige Wendung von bietet Fremde Dinge ausbrechen Maya Hawke) ist sehr viel sein eigenes Tier. Und dieses Biest packt einen verdammt bösen Biss.

Joker

Schon seit Debüt im Jahr 1940, der rätselhafte Wahnsinnige, den wir einfach kennengelernt haben, als Joker zum Goldstandard der Superschurken geworden ist und sich weiterhin als angemessen elender Feind in der Welt von Joker herausstellt Batman - einer, der in der Lage ist, alle möglichen abscheulichen Handlungen gegen den Dunklen Ritter, seine Verbündeten und die Bürger von Gotham durchzuführen. Diese Art von Wildcard-Status hat dazu beigetragen, dass Joker im Laufe des Jahres zu einer viszeralen Quelle manisch böser Energie wurde seine vielen großen Leinwandauftritte.

Das war noch nie so wahr wie bei Todd Phillips 'geerdeter und dennoch stilvoller Interpretation der möglichen Ursprünge eines wirklich originellen, aber nicht weniger wahnsinnigen Charakters. Einfach betitelt JokerPhillips 'grobkörniges, eigenständiges Konfekt verfolgt mit Bedacht einen Charakter-First-Ansatz mit Joaquin Phoenix Darstellung des potenziellen Clowns Prince of Crime als eines weichherzigen gesellschaftlichen Ausgestoßenen, der unter narzisstischen Wahnvorstellungen leidet, die ihn zu Ausbrüchen extremer Gewalt neigen lassen. So wie, Joker hat so viel gemeinsam mit Leuten wie Martin Scorseses grobkörnigen Dramen vom Leben am Rande wie Taxifahrer und Der König der Komödiewie es die Batman-Filme von Tim Burton oder Christopher nolan.

Ja, es wurde viel gemacht Joker's verdrehte Moral, seine Klassenkampfmentalität und sein traumatischer Einsatz von Gewalt. Es wurde noch mehr über die Charaktere gesagt Potenzial zu inspirieren Verrat in der realen Welt. Die Wahrheit ist, dass all diese äußeren Elemente ein erhöhtes, eindringliches Gefühl der Hyperrealität in Phillips 'einbauen. Joker, aber die einfache Tatsache ist, dass der Film so verdammt beunruhigend bleibt, weil der Aufstieg des Jokers noch nie so plausibel schien.

tyler1 freundin verboten

Verdorben

In den letzten Jahrzehnten Larry Fessenden hat eine der interessantesten Karrieren am Rande Hollywoods geschmiedet. Tatsächlich hat diese Karriere Fessenden häufig knietief in Kunstblut und bedrohlichen Obertönen gefunden, um sich neu vorzustellen, was Horror sein könnte. Zuletzt hat der Indie-Horror-Autor unter dem Deckmantel seiner Produktionsfirma Glass Eye Pix seinen eigenen kleinen Inkubator für die Low-Budget-Genre-Messe gebaut - und genau hier hat Fessenden seine moderne Nacherzählung des Frankenstein-Mythos geboren.

Teil prägnant Frankenstein-zentrischer Monsterfilm und teils erschütterndes Charakterdrama, Fessendens Verdorben ist im Wesentlichen was Frankenstein Vielleicht hätte Shelley es heute geschrieben - was bedeutet, dass es immer noch eine kaltherzige Monstergotik über moralische und wissenschaftliche Hybris ist, die die Menschheit verwüstet. Nur Fessenden leiht sich dieses Setup aus, um ebenso schwere Themen wie Nachkriegstrauma, pharmazeutischen Wahnsinn und die dauerhafte Kraft des menschlichen Bewusstseins unter wirklich unbeschreiblichen Umständen zu untersuchen.

Na sicher, Verdorben ist in erster Linie eine klassische Horrorgeschichte über einen wahnsinnigen Arzt, der Körperteile zusammenschustert, um einem untoten Ding Leben einzuhauchen. Als solches wird es von genug Blut und Blut und Stimmung angetrieben, um den Geschmack der meisten Horrorfans zu befriedigen. Aber mit seinen zutiefst menschlichen (d. H. Tragisch fehlerhaften) Charakteren, boshaft aufschlussreichen Skripten und dem furchtbaren Ton Verdorben transzendiert das Traditionelle Frankenstein Erzählung, um etwas viel Beunruhigenderes zu liefern - eine moderne Gotik, in der selbst die edelsten Absichten im Namen des Handels verderblich sind, und eine, in der Menschen und Monster ein und dasselbe sind.

Glückseligkeit

Danke an die ach so funkelnden Dämmerung Franchise, das Vampir-Genre war in letzter Zeit eher ein blinzelnder Witz als eine fruchtbare Landschaft für zermürbende, geschmackvolle Geschichten über die Freude der Untoten. Glücklicherweise haben Genre-Puristen in den letzten Jahren das schreckliche Subgenre im Namen des brütenden, blutrünstigen Nervenkitzels, der es hervorgebracht hat, zurückerobert. Sie haben dies getan, indem sie den Vampir in Form von blutigen Low-Budget-Thrillern wie auf die Straße zurückgebracht haben Die Verklärung und Ein Mädchen geht nachts allein nach Hause, mit sogar dem schwindelerregenden Blut von Was wir im Schatten tun Dies dient dazu, das blutsaugende Set wieder an seinen rechtmäßigen Platz an der Spitze der monströsen Majestät des Kinos zu bringen.

Zauberin Tanz

Füge Joe Begos 'scheußlichen neuen Streifen hinzu Glückseligkeit auf die Liste der Vampirgeschichten, die die bedrohliche Größe des Genres zurückerobern - auch wenn das Wort 'Vampir' im Film nie wirklich ausgesprochen wird. Inmitten der giftigen Aussichten des heutigen Los Angeles, Glückseligkeit findet einen tragisch egozentrischen Maler, der in einen verrückten kreativen Block verwickelt ist und einigen ernsthaften Schüttlern in der vapiden LA-Kunstwelt verpflichtet ist. Da sie dringend einen Ruck braucht, wendet sie sich einer mächtigen halluzinatorischen Droge zu und verwandelt sich mit ein wenig Hilfe eines seelenlosen Freundes schnell in einen blutgetränkten Albtraum von Sex, Mord und, ja, Schöpfung, den Folgen von die einfach gesehen werden müssen, um geglaubt zu werden. Wisse nur, dass du nicht in der Lage sein wirst, die verblüffenden Frivolitäten zu übersehen, die im letzten Akt von enthalten sind Glückseligkeit.

Die Hütte

Mit dem eindringlichen Psycho-Chiller von 2014 Gute Nacht MamaDas österreichische Duo Severin Fiala und Veronica Franz kündigten sich der Welt als die seltene Art von Genre-Filmemachern an, die in der Lage sind, knochenfrohe Freuden zu liefern, die sowohl von meditativer Laune als auch von seelenzerstörend prägnanter Menschlichkeit angetrieben werden. Das Duo kehrt mit seinem Nachfolgefilm zurück Die Hütteund Sie werden ungefähr fünf Minuten nach dieser bedrohlichen Schönheit wissen, dass das Duo gerade mit seinem unangenehmen Debüt aufgewärmt wurde. Der Thriller Anfang 2019 war das Publikum bei Sundance entspanntund wird im Februar 2020 endlich veröffentlicht.

In den eisigen Räumen von Fiala und Franz ist wenig Platz für Wärme Die Hütte. Der Film wird durch eine brutale Tragödie in Gang gesetzt und entfaltet sich fast vollständig in den mattierten Wänden einer abgelegenen Hütte, die in einem unerbittlichen Schneesturm verankert ist. Im Inneren sind zwei Kinder (EsJaeden Martell und die Newcomerin Lia McHugh) sowie ihre zukünftige Stiefmutter (Riley Keough), die sie für die Scheidung ihrer Eltern verantwortlich machen und die folgende Tragödie. Und was sich in diesen Mauern entfaltet, ist ein echtes Mindf ** k eines Katz-und-Maus-Spiels, das seinen Anteil an Herzen in den Kehlen lässt.

Katz-und-Maus-Spiele sind natürlich nur fair, wenn alle Parteien wissen, welches Spiel sie spielen. Und es sollte beachtet werden, dass, wenn die ahnungslose Partei zufällig ein ehemaliges Kultmitglied und der einzige Überlebende eines Massenselbstmordes ist, das Spiel für die wissenden Spieler möglicherweise tückischer ist. Wie Die Hütte Die Regeln dieses Spiels ändern sich auf zunehmend alarmierende Weise, und alle Beteiligten stürzen sich kopfüber auf ein Finale, das, wie erwähnt, die Herzen in den Kehlen lässt und die Psyche auf eine Weise bricht, die Sie noch nicht verstehen können.

Wunden

Tipp: Wenn Sie jemals auf ein verlorenes Handy stoßen, tun Sie sich selbst einen Gefallen und geben Sie es sofort an das nächste Fundbüro weiter. Versuchen Sie nicht herauszufinden, wie Sie es entsperren können. Beginnen Sie nicht mit einem völlig Fremden zu schreiben, der Ihnen ernsthaft unheimliche Nachrichten sendet. Und im Namen von allem, was gut und heilig ist, scrollen Sie nicht durch die Bilder auf diesem Telefon. Wenn Sie sich fragen, warum Sie diese Dinge nicht tun sollten, ist Babak Anvari böse und wundersam Wunden wird unseren verlorenen und gefundenen logischen Klang mehr als beweisen.

Wunden in der Tat findet Armie Hammers schwanzfrischer Barmann Will aus dem French Quarter im Besitz eines solchen Telefons. Wenn er es nach einer besonders anstrengenden Nachtschicht versehentlich mit nach Hause nimmt, hat er keine Ahnung, dass seine Nacht (also sein Leben) viel seltsamer werden wird. Aber sobald er anfängt, dem Fremden am anderen Ende eine SMS zu schreiben und den äußerst beunruhigenden Inhalt des Telefons selbst zu erkunden, wird es für den Barmann und seine Freunde sehr schnell sehr dunkel.

Wie dunkel, fragst du? Sagen wir einfach, dass die Dinge, die in diesem Telefon zu sehen sind, echt Albträume sind. Und sobald Will und seine Freundin (Dakota Johnson) anfangen, das Geheimnis hinter den beunruhigenden Bildern zu lüften, Wunden beginnt ein unheiliger Abstieg in eine teuflisch beunruhigende Erzählung, die Kafka ebenso viel zu verdanken hat wie Lovecraft. Und nein, wir machen diese Vergleiche nicht leichtfertig, also warnen Sie sich davor gewarnt Wunden ist eine besondere Art von gruselig und sollte nicht leichtfertig eingegangen werden.

Der Leuchtturm

Es ist jetzt allzu leicht zu vergessen, aber noch vor ein paar Jahren wusste niemand (Genre-Fan oder echter blauer Kinosnob) wirklich, wer zum Teufel Robert Eggers war. Das änderte sich natürlich fast über Nacht nach Eggers nervenaufreibendem Gothic-Märchen Die Hexe Hit-Kinos - zumindest für jene Genre-Fans, die ihre Arthouse-Filme bevorzugen, die mit einer unglaublichen Seite übernatürlicher Angst und unheiliger Bedrohung serviert werden.

Für die vielen Zuschauer, die es wagten, auf Black Philipps stählernen Blick zurückzublicken, Die Hexe bewies die Art von Film, die einen unheimlich gespannt machte, was Eggers als nächstes tun würde. Sie können sowohl Willem Dafoe als auch Robert Pattinson zu diesem Los zählen, da sich jeder Schauspieler Berichten zufolge persönlich an Eggers gewandt hat, um Interesse daran zu bekunden, an Bord eines Projekts zu springen, an dem der Regisseur gearbeitet hat. Es ist möglich, dass beide Schauspieler diese Entscheidung einmal am Set von Eggers 'bereut haben Der Leuchtturm, als der eisige Dreh des Films in Nova Scotia angeblich recht warherausfordernd. Trotzdem waren Dafoe und Pattinson wahrscheinlich überglücklich, als sie endlich den fertigen Film sahen.

Von Der LeuchtturmWir werden nicht viel sagen - nicht weil es nicht gibt viel über den Film zu sagen, aber weil man ihn wirklich sehen muss, um zu verstehen. Obwohl Der Leuchtturm ist zugegebenermaßen ein Film, den Sie nicht so sehr 'verstehen', wie Sie erleben. In jedem Fall wird Eggers jüngster filmischer Albtraum zweifellos als eine der seltsamsten Zeiten gelten, die Sie dieses Jahr im Kino erleben werden. Wisse nur, dass es auch als eines der besten untergehen kann.

Daniel ist nicht real

Elijah Wood tritt nun in das vierte Jahrzehnt seiner Filmkarriere ein. Als solcher bleibt er einer der wenigen ehemaligen Kinderdarsteller, denen es gelungen ist, als Erwachsener erfolgreich in eine angesehene Karriere überzugehen. Obwohl Wood als Schauspieler beschäftigt ist, hat er in den letzten zehn Jahren einige seiner besten Arbeiten hinter der Kamera gemacht und über sein Produktionshaus SpectreVision Genre-Bending-Freak-Outs produziert.

Alleine in den letzten fünf Jahren hat SpectreVision einige der beliebtesten (und am weitesten links liegenden) Genre-Angebote im aktuellen 'goldenen Zeitalter des Horrors' geliefert - Ein Mädchen geht nachts allein nach Hause, Der Junge, Der fettige Würgerund letztes Jahr das umwerfende Rache-Opus Mandy darunter. Sie können fortfahren und Adam Egypt Mortimer's hinzufügen Daniel ist nicht realDenn es ist eine weitere brutale und absolut verrückte Ergänzung des wachsenden SpectreVision-Kanons.

Wir werden nicht viel darüber sagen Daniel ist nicht real hier, weil etwas über den Film zu sagen wahrscheinlich seinen käfigigen, verwirrenden Charme ruinieren würde. Wir werden einfach sagen, dass der Film (teils Psychothriller, teils pseudo-übernatürlicher Schocker und teils etwas ... völlig Unerwartetes. Die Geschichte folgt einem verstörten College-Studenten (Miles Robbins), der sich an seinen imaginären Freund aus Kindertagen (Patrick Schwarzenegger) wendet. zum Trost nach einer Familientragödie. Wir sollten auch sagen, dass dieser Freund als Kind ein vollwertiger Soziopath war und mit der Zeit immer mehr aus dem Gleichgewicht geraten ist. All dies bedeutet, dass das Leben für den besorgten jungen Mann - und alle um ihn herum - wird auf immer ausgeflipptere Weise blutig und verrückt.

In Stoff

Wenn Sie es geschafft haben, die ersten drei Filme von Peter Strickland zu ertragen - den Rachethriller von 2009 Katalin Varga, 2012 ist faszinierend abstrus Berberian Sound Studiound 2014 S & M-tinged DramaDer Herzog von BurgundSie wissen, dass jeder Film verrückter abstrakt und unbestreitbar spannender ist als der letzte. Stricklands eigentümlicher Filmgeschmack scheint in den letzten fünf Jahren kaum geschwankt zu haben Der Herzog von Burgund zierte Kinos. Tatsächlich scheinen diese frühen Filme nur für seine neueste bizarre Erfindung aufgewärmt worden zu sein In Stoff.

Und machen Sie keinen Fehler, In Stoff ist zweifellos der wildeste Film, den Strickland bisher gemacht hat. Es ist auch eines seiner besten. In einer kleinen britischen Stadt gelegen, In Stoff beginnt mit einer gutherzigen Scheidung (Marianne Jean-Baptiste), die wieder in die Dating-Szene zurückkehrt. Nachdem sie sich mit einem potenziellen Partner getroffen hat, beschließt sie, für diesen Anlass ein neues Kleid zu kaufen. Sobald sie die Türen von Dentley und Sopers Kaufhaus betritt, sagen wir einfach In Stoff wird sehr, sehr seltsam, wenn ein besessenes Kleid das Leben aller, die ihm begegnen, verwüstet.

Sie haben das richtig gelesen - der 'Bösewicht' von In Stoff ist ein mörderisches Kleidungsstück, aber das ist nur die Spitze des bizarren Eisbergs für den Film, der sich hypnotisch in ein alptraumhaftes, giallo-getöntes metaphysisches Stimmungsfest verwandelt, das voller eindringlicher fetischistischer Schnörkel, blutiger Seitenleisten und dreister Flüge fieberhafter Phantasie ist, die zutiefst beunruhigend sind wie sie seltsamerweise bezaubernd sind.

Die Nachtigall

Wenn der Regisseur vonDer Exorzist behauptet, dein Film ist 'Der schrecklichste Film', den er je gesehen hatSie haben eindeutig etwas richtig gemacht. Nur wenige würden nicht zustimmen, dass Jennifer Kent die Waren geliefert hat, als sie entfesselt Der Babadook Auf der Welt Aber ein solcher Erfolg erhöht zweifellos die Erwartungen an Ihren Nachfolgefilm, insbesondere bei Fans, die nach einem weiteren Alptraum auslösenden Horror-Konfekt suchen.

Vielleicht als Reaktion auf diese Erwartungen vermied Jennifer Kent das Horror-Genre für ihr Follow-up vollständig und lieferte stattdessen einen Thriller aus dem 19. Jahrhundert, der in den gefährlichen Ausblicken der tasmanischen Wildnis spielt. Aber das soll nicht heißen, dass Kent für ihre Nachfolge weich wurde Der Babadook, weil wir Ihnen versichern können Die Nachtigall ist oft genauso schrecklich.

Tatsächlich werden wir Ihnen vorab sagen, dass es eine Handvoll Szenen gibt Die Nachtigall dass selbst standhafte Horrorfans Schwierigkeiten haben werden, sich durchzusetzen. Eine davon betrifft insbesondere die brutale Vergewaltigung des Protagonisten des Films (gespielt von Aisling Franciosi mit herzzerreißender, rauer Nervenintensität), eine Szene, in der der sexuelle Übergriff schockierend nicht das Grausamste ist, was passieren kann. In Wirklichkeit übertrumpft der abscheuliche Schrecken des Augenblicks alles, was Kent trug Der Babadookund es setzt einen ätzenden, antiimperialistischen Rache-Chiller über eine Frau in Gang, die verachtet wird, um unvorstellbare Fehler zu rächen. Ohne die Jagd zu verderben, werden wir einfach sagen, dass der Weg zur Rache mit seinen eigenen Schrecken behaftet ist. Auf dem Weg dorthin liefert Kent einen emotional quälenden Verfolgungsfilm, der ebenso unerschütterlich brutal wie atemberaubend mitfühlend ist.